Francine et son héritage drôlement québécois

Publié par Esther Hardy le Ven. 18 mars 2016 à 17h51 - Contenu original Crédit photos: Michel Hannequart Francine Lareau vous connaissez? Comédienne humoriste super attachante, comique et touchante! Artiste talentueuse, elle présente son nouveau spectacle hommage : « Merci Manda, La Poune, Dodo, Denise, Clémence et tant d'autres!» du 17 au 19 mars à L’Espace La Risée. Fans de ces monuments sacrés, Francine désire nous faire redécouvrir ces pionnières de l’humour qui ont façonné notre paysage culturel et célébrer cent ans d'humour au Québec. Francine célèbre l’humour au féminin! Après son premier spectacle «Chus pas connue (encore)» qui était une critique sociale, elle s’investit avec le second dans cet hommage à Manda Parent, Juliette Pétrie, Rose Ouellette, Dominique Michel, Denise Filiatrault, Clémence Desrochers et tant d’autres en travaillant sur les mots. La contribution de ces géantes est considérable et leur personnalité unique reste gravée dans le cœur des Québécois ! Elles ont fait rire, mais elles ont aussi brassé, attendri, éveillé et inspiré. C’est pour les remercier que Francine monte sur les planches et présente ses arabesques humoristiques. Elle incarne les personnages, et en ce sens, son côté théâtral lui donne un style d’humour unique que personne d’autre ne fait au Québec. L'auteur à la plume savoureuse, Philippe Lemieux qui a écrit entre autre le spectacle «Salut 2015! Cabaret politique et bouffonneries» et de nombreux autres, assure la script-édition du spectacle « Merci Manda, La Poune, Dodo, Denise, Clémence et tant d'autres» de Francine. La femme étant le sujet de prédilection des humoristes québécois qui la taquine sous toutes ses coutures; à son tour, Francine s’amuse à titiller les hommes sur leur travers. Mais rassurez-vous, gente masculine, elle aime l’humour intelligent, les humoristes cools et généreux, ceux qui philosophent sur la vie. D’un style d’humour grand public, elle blague sur la famille, les hommes et les femmes. Francine Lareau a débuté sa carrière en humour en 2011. Comédienne amoureuse des planches, elle se languissait de son public. Interagir et échanger avec les gens, jouer, être sur scène, aller à la rencontre de son auditoire lui manquaient sincèrement. Alors, pourquoi ne pas monter son propre spectacle? L'esprit entreprenant, elle a écrit ses textes et s’est lancée en suivant sa pulsion, son désir inné de faire rire, de rencontrer les gens et d’enfin se produire! Son instinct s’est avéré juste. Une belle aventure a débuté avec comme point de rencontre avec ses fans, son premier spectacle solo «Chus pas connue encore». Le public était au rendez-vous et ce fut un franc succès! Elle a fait salle comble trois soirs au Zoofest au Monument national en 2013. Un magnifique départ à faire rougir des artistes plus aguerris du métier. Une tournée québécoise a suivi et avec son spectacle, elle a fait rire de Sherbrooke à Fairmont en passant par Natashquan, jusqu’au Nouveau-Brunswick. Francine Lareau a roulé sa bosse. Forte de cette première expérience, elle connaît bien ses repères, alors maintenant avec cet hommage, elle nous offre une autre couleur de sa folie déjantée. Son premier spectacle comptant une quinzaine de personnages, gageons qu’elle saura nous surprendre dans cet hommage humoristique avec encore une fois un texte original de son cru. Innovatrice, Francine est avec Marie-Christine Pilote à la genèse des cabarets-laboratoires des Femmelettes qui ont fait l'objet d'une précédente chronique (Les Femmelettes récidivent) où elle présente et teste régulièrement son matériel. Elle se considère plus comique qu’humoriste et nous promet un spectacle drôle, simple et touchant. À voir jusqu'au 19 mars à La Risée!

Les métamorphoses de Félix-Antoine Boutin au Théâtre d'aujour'hui

Publié par Esther Hardy le Jeu. 17 mars 2016 à 18h00 - Contenu original

Crédit photos: Nans Bortuzzo

S’inspirant d’un conte oral de la forêt indochinoise, Félix Antoine Boutin crée une ode symbolique, une forme du mythe de la création qui donne un sens à l’existence. La pièce « Un animal (mort)
petit guide pour se transformer tendrement » son septième spectacle, est présentée à la salle Jean-Claude Germain du Théâtre d’Aujourd’hui jusqu’au 26 mars, avec Marie-Lise Archambault, François Bernier, Lise Castonguay, Julianne Desrosiers Lavoie, Marcel Pomerlo et Sébastien René.


Issue d’une quête personnelle et d’une volonté d’utiliser des objets dramaturgiques dépaysants, cette pièce porte un fort désir de l’absolu qui rappelle les grands archétypes des mythes créateurs.
D'ailleurs, toute la facture inspire la beauté des grandes tragédies… Dès qu’on touche au sens de l’existence et aux grands archétypes, on effleure inévitablement le symbolisme des drames mystères des dieux grecs. On pressent la volonté de l’auteur de se rattacher au sens réel des choses et aux processus de métamorphose de l’existence.


Sa rigueur personnelle le porte vers sa discipline de prédilection : la rituélie et le sens du sacré. Auteur d’instinct, Félix-Antoine souligne que « sa démarche consiste à retrouver l’importance du
geste qui donne un sens poétique aux choses. »

 

Marie-Lise Archambault

Le symbolisme de la parole et des arts graphiques  prend une grande place dans cette ode à la vie. La scène est foisonnante de plantes, berceau d’où les personnages naissent, se transforment et meurent. En toile de fond, un autel fait d’un arbre porteur de fruits souligne l’importance du sens du sacré pour l’auteur et metteur en scène. Cette création inspirée d’un conte indochinois me rappelle le mythe d’Adam et Ève, le conflit entre Abel et Caïn, mais cette fois c’est Ève qui tue son double…et toujours la Mère redonne vie.

Félix-Antoine Boutin

Crédits: Maxime Côté

On respire et on s’inspire de ce superbe texte lyrique ! Tout en restant très attentif à la moindre variante du drame mystère qui se joue devant nos yeux.


Félix-Antoine nous fait visiter son riche monde intérieur de sa poétique plume. Voici quelques extraits choisis:

« Regarde le passé, car le futur n’en vaut plus la peine. »

« Ne plus se reconnaître, s’exiler. »

« Tu es libre, le réel est de l’écume et il faut prendre la mer. »

Il nous parle aussi de la tendance québécoise à avoir des boucs-émissaires sacrifiés en deux-trois coups de cuillère à pot sur la place publique sans autre type de procès. Il illustre bien cette vision avec l’importance d’un personnage qu’on aime à condamner nommée « la petite criss »!

 

Marcel Pomerlo

Sur un ton narratif, cette pièce empreinte de poésie ne nous parle pas d’animal, mais plutôt d’une forme d’animalité associée à la noirceur intérieure qui évolue dans un cheminement vers la lumière,
accentuant ainsi l’importance de la métamorphose. Tous les personnages portent cette démarche et s’y impliquent en profondeur. Soulignons la présence et la belle spontanéité de François Bernier dans l’interprétation d’un personnage vif et enthousiaste dans ses métamorphoses.


Le processus d’écriture a pris une grande place dans sa création. L’auteur a d’abord fait un laboratoire aux Chantiers du Carrefour international du Théâtre avec des artistes de Québec en 2014. Accorder une grande importance à l’incarnation de sa création dans son espace scénique était prioritaire. Avec la collaboration de la talentueuse scénographe Odile Gamache, il a écrit la trame narrative dans une écriture scénique, multipliant les échanges avec elle. De plus, Marilou Craft lui a prodigué de précieux conseils dramaturgiques en l’accompagnant dans son processus d’écriture.

Conscient de l’envergure de cette pièce poétique, il le dit avec maturité: « Le texte est très dense, alors le public prend ce qu’il veut. »



Cet auteur audacieux promet. Deviendra-t-il un grand tragédien? Laissons-le nous surprendre dans ses multiples métamorphoses et son cheminement engagé vers la beauté, la vérité et le retour vers soi…

Brière et Martin comme Godot et Beckett

Crédit photos: Olivier Chassé

Publié par Esther Hardy le Sam. 12 mars 2016 à 10h23 - Contenu original

Le Théâtre du Nouveau Monde présente la pièce la plus célèbre du répertoire de l’auteur Samuel Beckett, «En attendant Godot» jusqu'au 31 mars, avec une brochette de comédiens exceptionnels : Benoît Brière, Alexis Martin, Pierre Lebeau, Emmanuel Schwartz et Mounia Zahzam dans une mise en scène de François Girard, connu pour ses célèbres réalisations (Le violon rouge, Soie et la mise en scène de plusieurs spectacles du Cirque du Soleil).

À l’ouverture du rideau, notre monsieur B national, alias Estragon, examine un arbre sec tandis qu’on voit la lune descendre au loin. Son attente captive déjà et on se prépare à recevoir des petits points de dentelle d’une mise en scène digne de son auteur. «En attendant Godot» est l'histoire d’une amitié indéfectible, un texte touchant et complice où l’absurde du quotidien devient une forme de résilience bon enfant.

Crédits: Yves Renaud

Entre tous les personnages, la complicité est plus que palpable et se sent au centimètre. Notons particulièrement la gestuelle, le jeu physique, les malaises, l’impression de surprise et le poids de l’âge qui sont excellents; c’est du grand jeu. Même si l’histoire se situe autour de nos quatre personnages dans le désert, tout comme eux, on est toujours dans l’expectative de voir Godot arriver. Et dans cette attente perpétuelle, nos personnages deviennent très créatifs en tentant de se distraire pour meubler le temps.

Crédits: Yves Renaud

Suivant ses auditions de finissant au Quat'Sous, j'ai vu Benoît Brière pour la première fois sur la scène du TNM incarnant Grumio dans La Mégère apprivoisée. Impressionnée par son aisance, je me disais : « Voilà un naturel! Notre futur Louis de Funès québécois! » Bien de l'eau a passé sous les ponts et mes impressions se sont confirmées…


Même si cette pièce est plus près de l’absurde que de la comédie, l’humour y est absolument délicieux et le jeu d’Alexis Martin ainsi que de Benoît Brière impressionne. Comme cité précédemment, on assiste ici à du haut calibre, un travail de grande pointure. Ils sont attachants, touchants, drôles... Même si dans le plaisir du jeu, Benoît nous décoche quelques pointes de cabotinage, on se passionne de ses délires.

Crédits: Yves Renaud

Avec sa présence à la fois rassurante et bouleversante, Pierre Lebeau nous peaufine un Pozzo vociférant avec justesse ses ordres de sa voix imposante et décochant élégamment quelques courbettes aristocratiques à nos comparses.

Crédits: Yves Renaud

Comédien toujours posé et réfléchi, Alexis Martin incarne avec brio Vladimir, meilleur ami d'Estragon, personnage d’une patience d’ange, bon enfant, avec l’espoir chevillé au cœur et d’une tendresse infinie pour son inséparable ami. Un contraste parfait entre nos deux personnages qui sont plus que complémentaires. On rit avec eux, on s’ennuie avec eux, on espère avec eux… Assister à la prestation de ces monuments, à cette qualité d’harmonie dans l’accomplissement de leur art est un enseignement du jeu théâtral en soi.

Crédits: Yves Renaud

Malgré sa dizaine d’années d'expérience de comédien, le talentueux Emmanuel Schwartz dans le rôle de Lucky, n’a rien à envier à ses comparses de jeu, notamment dans un monologue exceptionnel. De plus, son aisance de jeu physique impressionne dans des positions impossibles…au point de me demander s’il a fait du cirque!

Crédits: Yves Renaud

Soucis de la scénographie, chaque jour le soleil et la lune effectuent leur trajet naturel avec la pénombre. Ils bougent pendant le temps qui passe afin qu’on chemine pas à pas vers le soir et que la nuit se présente tout naturellement. Le décor doublé de son miroir inversé présente une scène désertique avec un arbre sec en son centre. Au plafond, on retrouve une reproduction identique. Et au milieu de l’espace scénique, le faîte des deux arbres se touche presque, dessinant ainsi la forme d’un sablier. Puis, pour couronner le tout, le sable coule du plafond. Le tableau est tout simplement magnifique, minimaliste et très payant : l’image du temps interminable qui passe en attendant Godot.

Crédits: Yves Renaud

La mise en scène est éminemment raffinée jusque dans les menus détails. Sur le plan sonore, on n'entend aucune musique mis à part quelques sons de la nature dans les entre-scènes: chant d’oiseaux, brise du vent, cri de petits animaux, etc., ce qui évoque adroitement le désert.


Je me questionnais sur le choix du niveau de langage légèrement soutenu. Ces deux tristes sires issus d’un milieu très humble ont passé leur vie à «en arracher». Je cherchais donc la motivation derrière un niveau de langage qui sied à des gens de lettres bien éduqués, attendant de les entendre dévoiler un passé de professeur, d’auteur ou d’autres professions libérales, le clin d’œil du métier de poète d’Estragon ne suffisant pas pour le justifier. Néanmoins, après l’avoir remarqué, m’être questionnée durant les premières minutes, je suis entrée dans l’histoire et ça ne m’a plus agacé.

François Girard

Crédits: Yves Lacombe

La somme des talents de tous ces créateurs se décuple elle-même sur la scène du TNM. L’apport de chacun renforce les autres et élève le jeu à un niveau toujours supérieur. Évidemment, le travail d'orfèvre du talentueux directeur d’acteur et metteur en scène François Girard y a grandement contribué, particulièrement dans sa préparation impeccable et la facture qui en résulte. Habitué à des œuvres plus exigeantes, cet honorable artiste et ambassadeur québécois confirme à nouveau la maîtrise de son expertise, la signature de son œuvre impressionnante. Paris plus que dépassé !

Samuel Beckett

Crédits Jane Brown

Ce que l'auteur Samuel Beckett dit de son oeuvre: « j'ai commencé à écrire 'Godot' pour me détendre, pour fuir l'horrible prose que j'écrivais à l'époque.» On lui a souvent demandé qui était Godot, suggérant un surnom pour «God»? Il n'a jamais voulu révéler une signification particulière à ce personnage absent et dit s'être tout simplement inspiré, par association, aux noms d'argot «godillot, godasse», puisque les pieds revêtent une grande importance dans la pièce. Auteur de l'absurde, style littéraire pour lequel il a excellé en français et en anglais, il cherchait à mettre en évidence des situations impossibles et la façon dont les hommes réagissent lorsqu'ils y sont confrontés.

Le charme décuplé de Hyndman et de la Chenelière...

Publié par Esther Hardy le Dim. 6 mars 2016 à 18h00 - Contenu original

Talentueux, charmants et éloquents! Que demander de plus!


Nos deux interprètes, James Hyndman et Évelyne de la Chenelière nous préparent une magnifique soirée lundi le 7 mars, une lecture intimiste de la correspondance d'Helene Hanff au Théâtre de Quat'Sous. "84, Charing Cross Road" est une pièce tirée du best-seller mondial, une œuvre épistolaire très particulière. Elle est d'abord la collection d’une correspondance qui a duré une vingtaine d'années entre Helene Hanff, auteure américaine et son libraire anglais. Leur relation d'affaires très courtoise est devenue complice et pleine d'espoir dans un amour commun pour les lettres. Helene Hanff en a ensuite récolté les fruits pour créer une œuvre charmante et touchante.

Helene Hanff dans ces dernières années

(15 avril 1916– 9 avril 1997) courtoisie

Passionnée de littérature anglaise, elle cherchait des livres rares que seule la Librairie Marks & Co de Londres lui dénichait, notamment Franck Doel, celui qui est devenu son dévoué serviteur. Donc de 1949 à 1968, ils correspondent assidûment dans cette quête du livre rare à dénicher. La relation devient à ce point complice que durant la période de rationnement d'après-guerre, Helene prend l'habitude d'envoyer quelques denrées précieuses à tous les employés.

La librairie Marks & Co au 84 Charing Cross Road

Courtoisie

La fin de cette aventure est survenue en 1968 lorsqu'Helene Hanff s'est rendue en Angleterre pour rencontrer son libraire, elle y a appris son décès et la fermeture éventuelle de la librairie.


Auteur dramatique, scénariste à la télévision, bourreau de travail, Helene Hanff espérait avoir enfin un succès, une reconnaisse pour l'une de ses oeuvres sur scène ou à l'écran. Elle a travaillé avec acharnement durant toute sa carrière d'auteur sans y parvenir. Célibataire, elle voyait sa vie déclinée seule en envisageant la vieillesse, jusqu'à ce qu'elle ait l'idée de réunir ses lettres pour en faire un livre. Après avoir tant espérée, c'est donc à la fin de sa carrière qu’elle put récolter le fruit de son travail avec ce succès qui venait couronner honorablement tous ses efforts.



Helene Hanff a ensuite poursuivi sa carrière d'auteurs, a écrit quelques ouvrages, mais ne récolta jamais le même succès qu’avec « 84 Charing Cross Road », cette joyeuse saga romanesque.


Paru en 1970, le roman "84, Charing Cross Road" a été un succès autant en Angleterre qu’en Amérique. Après une adaptation télévisée en 1975, une autre pour la scène en 1981, c'est en 1987, que Hugh Whitemore en réalise une adaptation cinématographique avec Antony Hopkins dans le rôle du libraire et Anne Bankcroft dans celui d'Helene Hanff.

Anne Bankcroff et Antony Hopkins

Courtoisie

James Hyndman et son complice Stéphane Lépine ont fait un choix judicieux en sélectionnant cette très belle pièce dans leur formule Longs courriers qui s'est avérée un succès depuis trois ans. Artiste invitée de ce mois, Évelyne de la Chenelière avec sa douce voix d'alto, intelligente et cultivée sera parfaite pour le rôle d'Helene Hanff.

Crédit photo: Charlotte Léger

Et l'avantage des lectures est la grande liberté qu’elles offrent au spectateur, leur permettant d'imaginer librement les lieux, les personnages et l'intrigue selon leurs propres repaires, comme le permet la lecture d'un excellent roman particulièrement captivant. Une lecture de théâtre est un grand plaisir partagé...


Ayant déjà sélectionnée personnellement cette belle pièce pour une lecture, je vous encourage chaudement à et y assister. Allez, faites-vous plaisir et laissez-vous séduire par les magnifiques voix de nos excellents artistes dans ce charmant échange de correspondance. Vous en sortirez ravis, je vous le promets!!